| Ele foi universalmente aclamado como o violinista do século. Mas para muito s, isso não foi suficiente. Até mesmo os seus mais severos detratores tiveram que admitir que Jascha Heifetz (1900 - 1987)  teve a maior técnica na história (e as poucas gravações de seus shows provar que sua precisão não era uma invenção de estúdio). Ainda mais surpreendente, o seu talento fabuloso foi totalmente formado pelo tempo de seus primeiros registros de adolescentes, cortar semanas depois de sua estreia sensacional 1917 Carnegie Hall. Basta ouvir como ele joga fora sem esforço extremamente difícil Bazzini de "Ronde des Lutins" com velocidade vertiginosa, técnica impressionante e uma abundância de atitude.Na arte, como na política, jovens radicais mellow na meia-idade e gravitar em torno de um meio termo mais conservador, mas não Heifetz. Em vez de abraçar a maturidade maduro, Heifetz mantida durante toda a sua carreira meio século a precisão frota de sua fama inicial. A maioria dos artistas sonhar em vão de desviar declínio técnico. Heifetz, porém, enfrentou o problema oposto. Muitos devotos violino acusam Heifetz de nunca evoluir uma visão distinta pessoal. Na verdade, tornou-se moda flail Heifetz para uma reticência emocional em desacordo com o estilo de coração na manga que normalmente esperamos de nossos violinistas. Mas em vez de amaldiçoar ele por que ele não era (e nunca fingiu ser), parece muito melhor para ele por granizo apreensão sobre uma personalidade única e nunca se afastando. Ao longo de sua carreira, Heifetz projetada sua técnica sensacional e tom puro com confiança atlética afirmativa. Mesmo em suas últimas apresentações, ele soa como o violinista mais jovem da história. Os críticos também esfolado Heifetz para jogar muito rápido , mas isso é em grande parte uma ilusão. Tente isto: imagine uma melodia favorito (ou mesmo apenas uma escala) com deslizamento, notas combinadas. Agora imagine-lo novamente no mesmo tempo, mas com as notas de curto e recortado. Estes sempre soa mais rápida, mesmo que não seja. Isso é como foi com Heifetz - sua precisão parecia muito mais rápido do que realmente era. Mesmo assim, a percepção de velocidade é realmente emocionante. Em última análise, Heifetz foi acusado de ser fria e mecânica. Mas sua perfeição técnica, enquanto não sentimental, ainda estava cheio de sentimento. Sua inflexão sutil lhe permitiu escapar abaixo da superfície, sem perturbar o desenho formal. Uma visão profundamente pessoal não é o único caminho para obter o significado em música.  Tome franca Heifetz de Bach solo de sonatas, que sucesso justamente porque sua simplicidade direta focaliza a atenção sobre a pureza da concepção de Bach. Suas honras abordagem a música, não o intérprete. A transparência absoluta de Heifetz do trabalho empresta uma qualidade atemporal que nunca se torna cansativo.Durante quase toda a sua carreira, Heifetz foi um artista RCA exclusivo. Em 1994, a RCA / BMG honrou-o em uma forma adequada enorme mas totalmente pesado: a reedição de todas as horas 70-plus de suas gravações comerciais. Mas, em vez de lançar os discos gradualmente, como tinha feito com a sua sensatez comparável 82-CD Toscanini legado, a Colecção Heifetz estava disponível apenas como uma caixa de 65 CD. Enquanto completists pode ter se alegrou, para os outros, não só foi como uma caixa enorme inviável, mas a idéia era absurda. É preciso playings vários para absorver totalmente qualquer novo disco, e em que a taxa de Coleta Heifetz teria necessários meses de atenção exclusiva. Finalmente, a RCA lançou os 46 volumes separadamente, desafiando coletores para fazer escolhas informadas entre várias versões do Heifetz de suas obras assinatura muitos. Infelizmente, as opções são bastante simples. Para a maioria dos artistas, a qualidade de gravação é a melhor uma preocupação secundária. Mas com Heifetz é crucial, uma vez que a sutileza requintada de seu tom de voz era uma parte essencial da sua arte. Seus 78s elétricos foram uniformemente terrível - estridente, bruto e sobrecarregado. Muitas vezes, o seu instrumento mal soou como um violino e a fidelidade de seus acousticals tinha sido mais convincente. As Coleção Heifetz transferências não fazem nenhum esforço para melhorar os originais, e isso é uma vergonha. Na verdade, o CD do seu 1940 Beethoven sublime " arquiduque "Trio tem um tom desagradável nasal e swishes irritantes, cliques e distorção que estavam ausentes de transferências LP anteriores. Uma edição desta distinção mandados de significado no som, bem como conteúdo, e simplesmente não há desculpa para o BMG, com seus vastos recursos e mestres originais, ter agitado tais CDs podres, especialmente quando Biddulph, Naxos e outros rótulos reemissão independentes têm feito muito melhor usando prensagens comerciais. 1950, porém, foi um divisor de águas. De repente, as nuvens sonoras foram levantadas e Heifetz registros soou doce e clara. Interpretações Heifetz do mal oscilou ao longo dos anos, mas a diferença na apresentação é impressionante. Então aqui está a regra: qualquer gravação Heifetz a partir de 1950 vitórias mãos para baixo sobre um predecessor. A linha divisória é que realmente afiada. A série Heifetz cedo você não deve ignorar  esses é acousticals surpreendentes. A menos que você sempre insistem em oi-fi de som (e eu sinto muito se você fizer - você está perdendo alguma coisa grande), os primeiros registros Heifetz permanecem cada bit tão impressionante como eles devem ter sido em cima da liberação primeiro. Infelizmente, RCA vende-los apenas em um conjunto de 3 CD, para uma compilação único disco, posso atestar Biddulph LAB-015.Os primeiros possuem saldos electricals mais realistas do que os remakes, com Heifetz embutidos na textura global e não iluminado, como ele seria mais tarde. Há também mais um sentido de parceria com os colegas, a quem mais tarde viria a dominar. Mas o material mais antigo é lançado em duas caixas-CD (que parcialmente derrota o propósito de ter quebrado a edição integral) com notas lamentavelmente inadequados (uns míseros 12 sentenças para os 2-1/2 horas de música em volume 4). E o som falsifica tom requintado do Heifetz. Então, não há recomendações aqui. Versões brilhante e emocionante Heifetz do estéreo dos concertos mais populares são um conjunto de 5 discos, desajeitadamente embalado em uma luva de papelão frágil contendo uma caixa de duplo e triplo. Mesmo assim, isso é coisa nobre. Os concertos de Brahms / Tchaikovsky e Beethoven / Mendelssohn estão disponíveis em discos individuais em "Living Stereo" da RCA série, mas você não deve perder seu fabuloso Sibelius, Prokofiev ou Bruch. Aliás,  não se colocar a concertos modernos Heifetz comissionados e defendeu. Todos foram escritos para exibir seu talento na linguagem do século passado e apresentam um som exuberante romântico, temperado apenas com uma pitada de tempero moderno. Heifetz de interpretações de "seus" concertos por Korngold, Rosza, Walton, Gruenberg e Castelnuovo-Tedesco são todos definitivo e maravilhoso.Mais do que a maioria dos solistas superstars, Heifetz revelou em música de câmara. Em 1940 ele se juntou a sua igualmente prodigiosa violoncelo contemporâneo Emmanuel Feuermann (que morreria no ano seguinte) e pianista Artur Rubinstein para Beethoven, Schubert e Brahms trios (maravilhosamente jogado, mas miseravelmente gravado). Uma década mais tarde, ele e Rubinstein parceria com o violoncelista Gregor Piatigorsky para a trios Ravel, Tchaikovsky e Mendelssohn, desta vez o seu brilho foi capturado em som adequado. Em 1961, Heifetz e Piatigorsky lançou uma série de concertos e discos com violista William Primrose e outros colegas convidados. Mesmo o estouro da tarifa mais pesado com alegria de afirmação da vida pura. Não perca suas versões deslumbrantes de octetos , sextetos, quintetos e trios de Mozart, Spohr, Mendelssohn, Schubert, Brahms, Dvorak, Franck, Turina e Arensky. Heifetz também encerado violino e muitas sonatas para piano, principalmente com seus acompanhantes permanentes - Emmanuel Bay até 1953 e Smith Brooks depois. Além de um conjunto completo de Beethoven, há Brahms, Fauré, Grieg, Saint-Saens, Respighi, Debussy, Strauss e Bloch. Você também vai encontrar muitas curtas "Encore" peças espalhadas por, sua Gershwin transcrições, em particular, são impressionantes. De alguns registros anteriormente não emitidas, é verdadeiramente impressionante - um 1968 de Tchaikovsky Souvenir de Florence sexteto que começa e termina em chamas. Heifetz foi um autômato frio? De jeito nenhum! Apesar de sua fama surgiu quando os anos 1900 mal havia começado, nenhum artista nos últimos 80 anos tem deslocado Heifetz como "o violinista do século." À beira de entrar no século seguinte, seu legado fabuloso registrado nos lembra por que.
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Performances gravadas de Heifetz (pós-1949) são tão sempre maravilhoso que é tentador para apenas listar o conteúdo de que parte da Coleção Heifetz em vez de qualquer tentativa de avaliação ou recomendações específicas. (Mas, claro, eu não vou.) Mesmo que Heifetz foi igualmente bem sucedido em todos os gêneros de música, parece útil considerar suas muitas gemas por categoria.Concertos para ser sua principal vitrine, e justamente por isso - há algo especialmente emocionante ouvir um violino solitário segurando sua própria contra o ataque de uma orquestra completa ou imputadas aos vários coros instrumentais, cada um com seu timbre característico.Começando com a Brahms, em fevereiro de 1955, Heifetz começou a regravar os concertos mais populares na então nova tecnologia de som. Todos os 12 agora são embalados juntos desajeitadamente em um conjunto 5-CD (volumes 11-15). Todos eles são magnificamente tocado e bem gravado e substituem versões anteriores mono. Em sua ordem de datas de gravação, são eles:
Especialmente cherishable como lembranças de devoção Heifetz à sua arte são os concertos inúmeras ele comissionados ou estreou. Naturalmente, todos eles foram escritos para mostrar seus talentos pessoais, destacando seu tom crescente e virtuosismo fenomenal. Apesar de apenas o Walton parece ter apanhado com os outros, todos eles som completamente convincente em mãos de Heifetz. Eles também desmentem suas datas de composição, como eles se expressam fortemente na linguagem da época romântica (exceto a Gruenberg, que é bastante jazzy). Todos estão em mono bom, limpo (exceto a Gruenberg, que é terrivelmente grosseiro e bruto):
Outras obras orquestrais alturas (e longeurs ocasionais e pretensões) dos concertos, estas peças mais curtas, também, a Nestlé o violino solo dentro do poder e variedade de toda a orquestra. Cinco dos mais populares são coletados em volume 22, apropriadamente intitulado "Showpieces:" LaloSymphonie Espagnole , de Sarasate Zigeunerweisen (Gypsy Airs) , de Chausson Poeme , e Saint-Saëns Havanaise e Introdução e Rondo Capriccioso . Eles vão desde o lírico Poeme , que Heifetz joga sem o sentimentalismo habitual, ao frenesi selvagem de Gypsy Airs , em que ele invoca registro do compositor maníaco própria espantosa 1904 (que pode ser ouvido no CD Opala 9851). Também são brilhantemente virtuostic Ravel Tzigane (volume 8) e Waxman Carmen Fantasia(volume 21). Todos foram registrados no início dos anos cinquenta e estão em mono claro.Para algo mais suave com orquestra, há os dois Beethoven Romances, jogado com elegância clássica (RCA Victor Symphony, William Steinberg, volume 8), o sentimental Tchaikovsky Serenade Melancolique (com uma Orquestra de Câmara, volume 12), uma Vitali Chaconne (na verdade, acompanhada por órgão, volume 24) eo pequeno nifty Suíte por Christian Sindig (volume 9). Aliás, há um exemplo fascinante de uma gravação (1937) antes da Zigeunerweisen que é digno de nota, já que lança uma luz rara e incomum sobre a imagem do Heifetz como um perfeccionista inabalável. Já em uma segunda tomada, Heifetz vem para o terceiro de quatro repetições de uma frase deliciosa, muffs a nota clímax e então reage a cavar o fim da frase ferozmente, como se a repreender a si mesmo (ou talvez seu violino). É um momento de passagem (em volume 4, disco 1, faixa 17 a 0:23 ou em Naxos 110943, rastrear 11 às 7:19), mas um revelador. Música de câmara de quase todos os outros tipos de não-orquestral, música de solos desacompanhadas para octetos. Sua magia investe as obras maiores conjunto com uma fleetness, luz ágil que transforma suas texturas espessas, mas muitas vezes o risco de desprezar os seus aspectos mais pesados. Na maioria dos casos, Heifetz e companhia apresentam leituras de propulsão totalmente que preservam a integridade musical e estilo, mesmo que eles são um mundo à parte dos igualmente válidas busca da alma mergulhou em profundezas por Casals e outros.Octetos O Mendelssohn é o octeto única real no cânon Heifetz, mas é magnífico. Alguns críticos flail sua leitura 1961 (no volume 35), como forma demasiado apressada. Na verdade é muito fôlego, mas não vamos esquecer que não foi escrito por um maduro, mestre deliberativo de ouro, mas por um velho de 16 anos! Heifetz também gravou um quarteto duplo por Spohr (volume 25), com grande delicadeza e moderação. Sextetos - O prêmio aqui - e uma das glórias desta Coleção inteira - é o Tchaikovsky Souvenir de Florence (volume 39). Gravado em uma das últimas sessões de gravação Heifetz em 1968, mas não lançadas anteriormente, é bastante explode com paixão evidente, totalmente coerente com seu caráter eslavo. Ninguém ouvir as primeiras (ou a última) alguns bares poderiam reivindicar com uma cara séria que Heifetz foi um autômato desumano. O Brahms Sexteto , Op. Cit. 36 (volume 41) é suave e flutuante. Quintetos Estes vêm em duas variedades - todos os Strings e cordas com piano. Dos dois quintetos de Mozart Heifetz cordas gravado, K. 515 em C Maior (no volume 34) é pura alegria, enquanto K. 516 em Sol menor (em volume de 26) é adequadamente mais escura, mas ainda impulsiva e mais rococó do que realmente sério. O Brahms, op. 111 (volume 28) emerge banhada de luz, como Heifetz domina a textura. Existem três quintetos para piano: um Dvorak extaticamente alegre (em volume de 41), uma Franck apropriadamente sullen (em volume 33) e uma Schubert (em volume 37), que minimiza a profundidade dos primeiros dois movimentos, de modo que os dois últimos podem explodir em alegria penas. Quartetos Heifetz literatura contornou o incrivelmente rico de quartetos de cordas e só registrou um quarteto de piano único, a Op Brahms. 60 (em volume 42). É uma leitura muito bem feito em que o humor constante mudança estão bem integrados. Trios cadeia Trios, também, vêm em dois estilos - com e sem piano. Enquanto a maioria das obras famosas do gênero são para violino, violoncelo e piano, talvez como um sinal de sua devoção a cadeia de jogar Heifetz atenção excepcional para o muito mais raro tipo tudo-corda (para violino, viola e violoncelo). Como seus colegas, ele escolheu William Primrose, um dos mais proeminentes violistas do século, e violoncelistas Emanuel Feuermann e Gregor Piatigorsky. Quatro trios de Beethoven corda (volumes 10 e 42) e seu Serenade (volume 25), embora reconhecidamente não escrita de Beethoven mais inspirado, são dadas leituras respeitosas, mas emocionalmente plana e não envolvido. Um trio de Schubert (volume 37) as tarifas não há melhor. Apesar bruto 1.941 gravações, o Mozart Divertimento e Dohnanyi Serenade são deliciosos. Mas a maior surpresa é o cintilante Trio em C por Jean Françaix (no volume 43), uma breve brincadeira que explode de alegria jovem travesso. Piano Trios Na mesma semana em que eles cortaram a Mozart e Dohnanyi corda trios, Heifetz e Feuermann emparelhado com o pianista Artur Rubinstein para gravar trios gloriosos de Beethoven, Schubert e Brahms (volumes 29 e 32); apesar gravações bruto e transferências CD ainda piores, arrogância eles com auto-confiante estilo e estão entre as grandes glórias de nosso legado. Uma década depois, Heifetz começou sua longa e produtiva parceria com o violoncelista Gregor Piatigorsky e eles cortaram as Tchaikovsky, Mendelssohn Primeiro trios e Ravel com Rubenstein. Os três aparecem como co-iguais parceiros, apenas em parte estimulada pelas gravações agudos deficientes que de-realçar a gama de violino. O Ravel é mais poderoso do que estamos acostumados, mas lindamente captura sua marca única de impressionismo sentimental. O Mendelssohn é fabuloso - uma perfeita apresentação deste prazer gossamer, mas tendo em conta a gravidade de sua tonalidade menor. A série Heifetz / Piatigorsky de trios de piano retomado na era estéreo com o pianista Leonard Pennario a 1963, e depois Jacob Lateiner. A Op Beethoven. 1 # 1 (volume 30) consegue um bom equilíbrio entre derivativeness jovem e sugestões do gênio brotamento ainda a emergir. Quanto mais tarde Beethoven op. 70 n º 2 (volume 28) e Mendelssohn # 2 (volume 34) são totalmente gratificante, mas sem qualquer centelha particular de excelência. Volume 38 apresenta gravações inéditas do Schubert Segunda e Brahms Segundo , realmente muito finos, mas com o saldo desviada para Heifetz. Quanto mais escuro o caráter rústico, de dois trios Dvorak são muito bem capturado em volumes 33 e 39. Por fim, se você estiver disposto a se aventurar fora do caminho batido, volume 27 tem por trios Arensky e Turina, enquanto nem chamas com inspiração, eles são completamente agradável e tocou para o fundo. Duos, Sonatas e peças solo exigindo que os jogadores de fundir suas personalidades em um todo convincente. Com forças tão reduzidas, não há oportunidade para se esconder nem por um momento sob acompanhamento ou de outra a vez a solo, e os holofotes é impiedosamente sobre o cantor estrela.Duos Embora a combinação mais comum de dois instrumentos é a sonata com piano, Heifetz registrados vários duos com dois de seus colegas de cadeia. As duplas mais famosas são de Mozart, dos quais Heifetz e violista William Primrose gravou o segundo em 1941 (no volume 9), mas enquanto o jogo é preciso, não é apenas moda ou eloquente. Ainda mais impressionante é o seu registro de 1941 da transcrição Halvorsen caleidoscópica de Handel Passacaglia (volume 9) . Heifetz gravou seus duos com outros Piatigorsky, incluindo uma versão violoncelo igualmente fino 1963 do mesmo Passacaglia (volume 30). Seus duos outros, todos maravilhosamente jogado, são de uma seca e amarga Kodaly Sonata (volume 27), um elegante e exata Boccherini Sonata (volume 28), uma versão rústica sonoridade de estilo neoclássico de Stravinsky Suíte Italienne (volume 31), um Toch Divertimento (volume 35) que envia faíscas de emoção, e um Martinu Duo (volume 44), que começa penetrante e culmina em um turbilhão exuberante dupla. Sonatas A série mais significativa de sonatas para violino e piano de Beethoven é. Heifetz registrados todos os dez, e compreendem volume 16; versões anteriores do # s 3, 8 e 9, este último com Benno Moiseiwitsch, são em volumes 7 e 10. Alguns consideram leituras Heifetz para ser excelentes exemplos de auto-anular musicalidade, enquanto outros descartá-los como superficial e distante. Talvez essa dicotomia é ouvido melhor no primeiro movimento da "Kreutzer" (# 9), onde Heifetz no primeiro soa frágil e inflexível. Mas o problema com a abordagem mais comum abertamente emocional é que o primeiro movimento, em seguida, esmaga os outros dois, que em comparação são leves e retrógrado. Assim, o movimento de baixa Heifetz octanagem primeiro, enquanto no início decepcionante, consegue de forma mais completa do que muitos outros na integração desse trabalho pesada. Na verdade, parece justo para caracterizar Beethoven Heifetz de sonatas tão respeitoso da música e da sua dignidade inerente, com foco na apresentação dos materiais musicais e detalhando a lógica musical, deixando o ouvinte a inferir seus próprios pensamentos mais profundos. A impressão resultante pode não ter tanto apelo inicial tanto quanto uma leitura mais distinta, mas também não se desgastar com o tempo. Movendo através do cronologicamente outros, Heifetz registrados apenas três de Mozart Violin Sonatas , K. 296, 378 e 454 (as duas últimas duas vezes). Todos são maravilhosamente elegante, com os remakes (em volumes 24 e 26) mais rápidos, mais fortemente gravadas e, claro, melhor gravado do que as versões anteriores (no volume 9). O Handel Sonata n º 15(volume 9) é um trabalho pouco empolado que Heifetz joga bem, mas sem muito entusiasmo. Apesar do título, o Schubert Fantasie, D. 934 é semelhante a uma sonata e Heifetz adequadamente joga e Schubert Sonatina n º 3 (tanto no volume 8) muito na veia de sua Beethoven. No Brahms Sonata N º 3 (volume 8) , o brilhante William Kapell inspira Heifetz a alturas vertiginosas de expressão. Sua Grieg Sonata n º 2 (volume 9) tem resistência adequada e dignidade. De tarde 19 ª sonatas do século, de Strauss (volume 32) é de grande e varredura épico ardente, enquanto Faure (volume 45) está cheio de leve, charme gaulês, o Saint-Saens (volume 45) encontra-se entre as sensibilidades alemães e franceses. Movendo-se para o século XX, o requintado Debussy Sonata para violino (volume 44) é jogado com franqueza concurso e recebe uma gravação de forma atípica brilhante para a RCA em 1950. Heifetz fornece versões definitivas de sonatas jovens por Ferguson e Khachaturian (Karen, não o mais famoso Aram), tanto no volume 43, eles são agradáveis e este último é agraciado com um andante magnífico e um final delimitadora, sua acompanhante nestes é Lillian Steuber, um colega quando ele ensinou na USC. A única moderna sonatas Heifetz registrado que realmente som contemporâneo são Bloch (volume 8), das quais a segunda, um "poema místico" é especialmente impressionante. Peças solo Dada a bravura e de auto-confiança que ele sempre projetada, parece estranho que as únicas peças não acompanhados Heifetz registradas foram a seis Bach Sonatas e Partitas (volume 16) . Enquanto isso não é um campo repleto de obras-primas, que inclui os magníficos Paganini Caprichos , dos quais Heifetz jogado apenas alguns, e mesmo assim com piano acrescentou. Quanto ao Bach, que despertou a mesma ambivalência como seu Beethoven Sonatas , com detratores lamentando a ausência de sabor sentimento ou período. Para mim, no entanto, a objetividade Heifetz é uma questão de respeito inteiramente apropriado para a música tão inerentemente grande que não tem necessidade de brilho interpretativas. Encores e peças curtas À luz de sua fama, parece incrível que os primeiros 17 anos de carreira Heifetz de gravação consistiu inteiramente dos itens breves que serviram encores para seus programas considerando, assim, não foi até 1934 que ele foi capaz de cera suas primeiras obras completas (a Strauss Sonata seguido por Mozart e concertos Glazunov). Seus 52 registros acústicos são coletados em volume 1 e sua primeira década de electricals estão no volume 2. Heifetz mantido gravar estas pequenas jóias até o final de sua carreira. Na verdade, ele dedicou a sua sessão de gravação penúltimo a nove deles e ele incluiu mais seis em seu recital último, dado em 1972 e que compreende o volume final (46) da Coleção Heifetz. Heifetz claramente amava profundamente, talvez porque sua brevidade lhe permitiu cristalizar seu talento mais do que em maiores, obras mais variados. Estas peças variam de virtuosismo ofuscante para meditação profunda e estão espalhados por todos os volumes da Coleção Heifetz. Eles também composta apenas de suas férias RCA 1944-1946, quando o pop-oriented selo Decca registrados 51 miniaturas, incluindo "White Christmas" e dois duetos com Bing Crosby, na esperança de marcar um hit singles poucos, eles estão agora recolhidos no volume 19 e a fidelidade é muito melhor do que RCA no momento. Em meio à grande variedade de material, de alguma forma, o seu conjunto de prelúdios Gershwin e canções, gravadas em 1965 com Brooks Smith e agora no volume 40, parece especialmente transcendental, brilhantemente apresentando estas peças excessivamente familiares de uma forma que de uma só vez e depois se estende destila seu espírito essencial. Tão grande como concerto inspirado Heifetz, a câmara e gravações duo é e será sempre, eles vão sempre ser definido ao longo do lado grandes versões de outros artistas, tanto aqueles que já estavam diante do microfone (ou corneta acústica) e outros ainda surgir entre gerações futuras. Talvez, quando tudo estiver dito e feito, é profundamente Heifetz de encores pessoais que melhor representam sua arte única e insubstituível. Seja qual for o seu gosto, espero que estas observações ajudar a guiar-lhe experimentar a arte do "violinista do século", enquanto os volumes individuais da Coleção Heifetz permanecem disponíveis. uma recompensa magnífica que cura o seu principal defeito. Naxos apenas lançou a série Heifetz primeiro concerto elétrica registros em sete CDs e eles são uma revelação!Enquanto as versões BMG foram estridente e doloroso de ouvir, essas transferências por assistente Mark Obert Thorn-emergir como magnificamente rica e completa. Como o historiador violino Tully Potter aponta em suas notas de encarte, Heifetz utilizado cordas de tripa para compensar o brilho de sua técnica, e seus primeiros registros elétricos capturou esta mistura maravilhosa com um calor verdadeiramente notável. Além disso, ao contrário dos remakes estéreo, precisão Heifetz de marca e de propulsão são temperadas pelo repouso e sensação de que produzir uma experiência muito mais satisfatória e humana. Estes discos fabulosos resgatar o pré-1950 Heifetz registros de som atroz BMG e obrigar apreciação renovada para a profundidade da arte do Heifetz. E tudo isso a um preço super-orçamento! Aqui estão os volumes específicos:
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3.9.12
Jascha Heifetz
2.9.12
Escolhendo um Cavalete
A MELHOR FORMA DE SE ESCOLHER UM CAVALETE É, DA FORMA QUE ACABEI DE FALAR, "ESCOLHENDO". SEI QUE FICA
DIFICIL PARA MUITA GENTE PODER "ESCOLHER" PESSOALMENTE SEU CAVALETE DADO O FATO DE MUITOS COMPRAREM
PELA INTERNET, OUTROS, AO CHEGAR A LOJA TEM APENAS UM, DE MOSTRUÁRIO POR EXEMPLO, OUTROS AINDA
CHEGAM NO ATELIER DO LUTIER, ESTE EDUCADAMENTE SOLICITA AO MUSICO QUE DEIXE SEU INSTRUMENTO E RETORNE
EM UM OU DOIS DIAS, NÃO PERMITINDO DE JEITO MANEIRA QUE VC ACOMPANHE O TRABALHO, CLARO, NEM TODOS TEM
ESSE TEMPO A DISPOSIÇÃO, PARA UM "WORKSHOP" OU UM "MASTERCLASS" DE COMO SE AJUSTAR UM CAVALETE, AI ENTÃOVOU TENTAR DEMONSTRAR AQUI. COMO SABEM A QUEM TIVER A OPORTUNIDADE DE SE DEPARAR COM VÁRIOS CAVALETES, PROCUREM
OBSERVAR BEM CADA PEÇA, DESCARTANDO OS MAIS BRANCOS E COM VEIOS LARGOS. PROCUREM PELOS QUE POSSUEMVEIOS UNIFORMES E ESPAÇAMENTO MAXIMO DE 1MM, VEIOS BEM DENSOS E TAMBEM QUE SEJAM BEM PINTADOS. SABEM QUE
O CAVALETE É FEITO DA MESMA MADEIRA DO FUNDO BRAÇO E FAIXAS, O MAPLE, POREM CORTADO BEM PROXIMO A RAIZ DA
ARVORE, RADICULAR.
APÓS ESCOLHER E PENEIRAR AI UNS DOIS OU TRES, SOBRE UM BALCÃO DE FORMICA, MARMORE, MADEIRA, OU ALGO
SIMILIAR, FAÇA PEQUENOS MOVIMENTOS DE DEIXA-LOS CAIR PLANAMENTE, NÃO DE BICO, E OBSERVE O TOM DO IMPACTO,
PROCURE ESCOLHER O QUAL ESTIVER MAIS ALTO E CLARO DE TIMBRE.
COMO SABEM, A POSIÇÃO LEGAL DO CAVALETE É UM POUCO, MAIS MUITO POUCO INCLINADO EM DIREÇÃO AO ESTANDARTE
PARA QUE COM O PROCESSO DE AFINAÇÃO ELE TORNE A POSIÇÃO NORMAL. FALANDO EM NORMAL, É NORMAL QUANDO VC
OBSERVA UM CAVALETE COM LEVE INCLINAÇÃO PARA TRAZ. É ANORMAL QUANDO VC OBSERVA ELE INCLINADO EM DIREÇÃO
AO ESPELHO.
QUANDO VC ESTA PRESTES A DEFINIR AS DIMENSÕES DOS PÉS DO CAVALETE, VC JA DEVE COM JEITINHO PROVIDENCIAR
ESSE ANGULO CORRETO NOS PÉS, AFIM DE QUE, TANTO EM 90° OU LEVEMENTE INCLINADO PARA TRAZ, OS PÉS ESTEJAM
100% FACEADOS AO TAMPO
O Encantador de Búfalos
Pecuarista usa o som do
violino para atrair búfalos no Vale do Rio Pardo
Apaixonado por instrumentos musicais e pelos animais que cria, Trierweiler descobriu uma curiosa forma de unir as duas paixões,
Quando o delicado arco encontra as cordas do violino e faz emergir as primeiras notas, ao longe o rebanho ergue a cabeça, fareja o som e começa a deixar o pasto de lado. No Sítio dos Búfalos, como em uma marcha ensaiada, um a um e enfileirados, os animais buscam o som da melodia e se aproximam do músico
1.9.12
PAGANINI
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Durante o outono de 1782, mais precisamente a 27 de outubro, nascia na litorânea cidade de Gênova, Itália, fruto da união de Antonio e Teresa Paganini, uma criança, que recebeu o nome de Niccolò, e cujo futuro seus pais nem podiam imaginar. Antonio Paganini, que era portuário por profissão, se distraía como violinista amador. Apenas o segundo filho, dentre os seis que teve, (Piero, Niccolò, Giovanni, Franco, Giuseppe e Teresa) mostrou interesse pelo mundo da música. Antonio, com uma máxima severidade criou seu filho com mão de ferro e sonhando com riqueza que um prodígio poderia lhe trazer, aplicava muita crueldade persistindo com Niccolò nas tarefas musicais, castigando-o severamente a cada engano, e não permitindo para a criança qualquer relaxamento ou brincadeira.
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Como toda criança da época, Niccolò Paganini foi atacado tão severamente por sarampo que certo dia foi dado como morto, e seu corpo foi embrulhado em uma mortalha, e só por acaso é que não foi enterrado prematuramente. Esta doença deixou Paganini doentio para o resto da vida.
Niccolò Paganini, mostrava interesse precoce pelas cordas do violão, mas foi o violino que levou o jovem ao mundo da fama. Aos seis anos tomava aulas com Giovanni Servetto. Mais tarde, com o mestre de capela e primeiro violino de Gênova, Giacomo Costa. Sob a orientação desses professores, Paganini fez progresso surpreendente. Com a idade de oito ele compôs uma sonata de violino de mérito extraordinário; um semestre depois, ele tocou o Concerto de Pleyel tão prosperamente na igreja que ele freqüentava que foi convidado a ser o primeiro violino da igreja. Antônio Paganini estava realizando o seu sonho rapidamente, mas longe de ceder à sua regra despótica sobre seu filho, aumentou a severidade com a esperança de trazer um triunfo mais rápido. Niccolò Já fazia nesta época apresentações executando obras diversas e estreou sua obra em uma igreja dos arredores. Escreveu, aos onze anos de idade, uma série de variações sobre a tradicional La Carmagnola, recebendo pela apresentação dessa composição sólida aclamação.
Começou então a viajar, sempre em companhia de seu pai Antonio, em busca dos célebres mestres de música da Itália. Após assistir a uma demonstração da técnica do jovem instrumentista, o grande professor Alessandro Rolla se recusou a dar-lhe aulas pois achava que nada teria a acrescentar à técnica já adquirida pelo músico.
Em 1795, Paganini - então com treze anos - deu um desempenho em um teatro em Genova, tão fenomenal que daí em diante ele ficou conhecido como o “a criança-maravilha.” Seu pai decidiu leva-lo a maiores professores. Ele começou o estudo de composição então sob Ferdinando Paër em Leghorn.
Em 1797, Paganini empreendeu uma excursão de concertos estendida entre Milão, Bolonha, Florença, Pisa, e Leghorn, fazendo as audiências com a sua técnica fenomenal. Nessa época, a tirania de Antônio Paganini sobre o filho estava se tornando insuportável a Niccolò que resolveu se livrar de uma vez por todas do jugo do pai.
Em novembro de 1798, ele inscreveu-se e veio com o irmão mais velho, Piero, para o Festival de San Martim em Lucca onde realizou um desempenho fabuloso. A partir de Lucca, ele visitou diversas cidades próximas fazendo desempenhos excelentes. Paganini ganhou dinheiro bastante para se manter mais adequadamente, e decidiu firmemente nunca mais voltar à casa de seu pai. Em 1801, finalmente, abdicou da companhia de seu pai e retomou a função de concertista. Viajou à Lucca, onde tornou-se professor do Príncipe, além de primeiro violino da orquestra da Corte
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Porém, esta recente liberdade lhe virou a cabeça. Ele só tinha dezesseis anos, mas começou a ter uma vida devassa com mulheres, e jogo. Destes dois vícios, o segundo provou mostrar tão forte nele que Paganini freqüentemente perderia mais em uma noite do que ele ganharia em várias semanas. Mais de uma vez ele foi forçado a penhorar o violino para pagar integralmente dívidas de jogo.Uma certa vez, aos quinze anos, Niccolò estava programado para dar um espetáculo, mas seu violino estava penhorado Um amigo, Monsieur Livron, ofereceu-se a emprestar lhe o próprio e valioso Guarnerius, e, naquele concerto, ficou
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tão encantado com Paganini que insistiu para que o violinista retivesse o precioso instrumento como um presente, que era uma peça muito valiosa entre os instrumentos musicais da época. Niccolò continuou a compor e terminou os primeiros de seus 24 Caprichos nesta época Logo após isto, Paganini quase perdeu, em uma noite, no jogo, este violino famoso. Quando, na manhã seguinte, ele viu que quase tinha jogado fora a sua posse mais preciosa, Paganini jurou nunca novamente chegar uma mesa de jogo; e ele manteve a sua promessa.
Entre 1801 e 1805, Paganini desapareceu de visão pública. Acredita-se que ele viveu durante estes anos em retiro completo no castelo de uma senhora da Toscana, uma guitarrista e cantora lírica, dedicando seu tempo a dominar o violão e a compor músicas para aquele instrumento.
Em 1805, Paganini voltou à fase de concertos. Uma vez mais, ele soube triunfar. No fim desse ano, ele foi empregado pela Princesa de Lucca como violinista da corte. Aqui ele estudou infatigavelmente a técnica do violino e continuamente tentou executar músicas com menos de quatro cordas pelo uso de notas harmônicas. Ele na verdade compôs exatamente nessa época uma sonata para uma única corda G.
Tinha devota admiração pela irmã de Napoleão Bonaparte, então coroado rei da Itália. Em 1809 a princesa Elisa de Lucca mudou-se e Niccolò. Paganini permaneceu no emprego da até 1813. Voltou à sua vida de viagens e concertos. Estreou a 29 de outubro de 1813, com sua obra Le Streghe (As Feiticeiras) no famoso Teatro Scala de Milão. Paganini recebeu sólido reconhecimento como o maior instrumentista de sua época e começou a excursionar pela Itália.
Mudou-se para Florença e em 1819, começou a lecionar violino, violão e violoncelo. Mostrava então ser possuidor não só de grande técnica ao violino, mas também ser grande violonista e admirável conhecedor dos instrumentos de corda, além de extraordinário professor.
Voltou a excursionar em 1820. Seus estranhos modos e sua técnica extraordinária o ligaram a lendas que o associavam ao demônio. Mas estas ligações satânicas eram desculpas para explicar seu virtuosismo, pois Niccolò sempre foi ligado à Igreja e chegou a executar um grande número de concertos beneficentes.
Passou a viver com Antonia Bianchi. Adoeceu, em 1821, por um longo período. Retomou suas apresentações pela Europa em 1824. Seu único filho, Achille Ciro Alessandro, chamado carinhosamente de Achillino Paganini, nasceu a 25 de julho de 1825.
Durante os próximos anos ele executaria concertos extensivamente na Itália e não deixou nenhuma dúvida de sua supremacia sobre todos os violinistas de sua época.
Doenças tornaram impossível para Paganini dar concertos fora de Itália. Em 1827, contraiu uma infecção na laringe. Desprezando a doença, continuou suas viagens. Mas não estava bem. Finalmente, em 1828 - depois de um repouso bastante curativo na Sicília com a força renovada, Paganini foi para Viena onde se tornou uma sensação. Roupas, comidas, bijuterias receberam seu nome; sua figura foi caracterizada em bengalas e caixas de charutos etc. Em 1831, Paganini ultrapassou este triunfo de Viena até mesmo em Paris. Franz Liszt expressou a maravilha do público francês quando ele exclamou: “Isso que é um homem! Isso que é um violino! Isso que é artista! Céus! Que sofrimentos, que miséria, que tortura nessas quatro cordas!”. O mestre do violino começou a apresentar sinais de esclerose em 1833, ao se preocupar em demasia com a saúde, perfeita, de seu filho, que levava para todos os lugares aonde ia.
Tornou-se Doutor de Música da Universidade de Oxford. Voltou à capital francesa para algumas apresentações, sentindo-se forte. Por este tempo, Paganini já tinha se tornado uma lenda. Não só por sua técnica incrível — seus efeitos digitais pareciam milagrosos em suas audiências — mas também sua aparência cadavérica que despertou o terror supersticioso e temor de seus espetáculos. “Um metro e sessenta e cinco de altura, construído em linhas longas, sinuosas, uma face pálida longa com linhas fortes, um nariz pontiagudo, e olho de águia, cabelo ondulado fluindo aos seus ombros e escondendo um pescoço extremamente magro,” era descrição de Castil-Blaze sobre Paganini em 1831. “Duas linhas, poderia se dizer, foram gravadas em suas bochechas pela sua profissão, porque elas se assemelharam ao ƒ ƒ do violino.” Dirigiu-se à Bélgica, onde foi estranhamente vaiado. Veio a descobrir depois que esta rejeição por parte dos belgas era devido às lendas de sua associação com o demônio.
A face pálida, e longa com suas bochechas ocas, os seus lábios magros que pareciam enrolar em um sorriso sardônico, expressão penetrante dos seus olhos que pareciam como carvões flamejantes, lhe deram uma aparência diabólica que tentou muitos dos seus admiradores a circular o rumor que ele era o filho de um diabo. As pessoas freqüentemente se benziam se fossem acidentalmente tocadas por ele. Uma vez, Paganini foi forçado a publicar cartas de sua mãe para provar que ele teve os pais humanos. De qualquer modo, ele despertou temor e terror onde quer que tocasse. Em Paris ele foi chamado Cagliostro; em Praga ele foi julgado por ser o judeu errante original; na Irlanda circulou o rumor que ele tinha chegado à essa terra no Holandês Voador.
Apesar de sua saúde delicada, Paganini continuou fazer concertos extensivamente, e teve sucesso acumulando uma fortuna considerável. Em 1836, porém, ele entrou em uma aventura especulativa — o estabelecimento de um “Cassino Paganini” em Paris, uma moda da época onde concertos eram apresentados — que foi um fracasso e no qual ele perdeu uma boa parte de sua fortuna. A sua infelicidade com a perda da riqueza agravou a sua doença. Ele se foi para Marselha e Nice para descanso e recuperação. Mas Paganini estava condenado. Sua doença ficou pior, ele tossia incessantemente, e finalmente ele perdeu a voz completamente. Ele morreu em Nice no dia 27 de maio de 1840.
Alguns dias antes de sua morte, o Bispo de Nice foi chamado ao lado de sua cama, mas Paganini recusou a vê-lo, insistindo que ele não estava agonizante. Então, ele morreu sem os sacramentos finais, e a igreja recusou lhe conceder um enterro em campo santo. Por um longo período, o caixão dele permaneceu no hospital em Nice, depois foi removido a Vila-Franca. Só depois de cinco anos da morte de Paganini seu filho, apelando diretamente ao Papa, teve permissão para enterrar o corpo do grande violinista na igreja da aldeia perto de Vila Gaiona.
Ao longo de sua vida Paganini sofreu de uma doença nervosa que o compeliu assumir uma existência nômade. Esta doença freqüentemente resultou em febres violentas que o compeliram seguir períodos longos de inatividade. Por causa de sua saúde, ele observou uma dieta rigorosa: freqüentemente, durante um dia inteiro ele não comia mais que um pouco de sopa, uma xícara de chocolate e uma xícara de chá de camomila. Ele precisava uma quantia excessiva de sono.
Paganini possuía um ouvido extraordinariamente sensível, até mesmo para um grande músico tanto é que podia descobrir o sussurro mais lânguido até mesmo a uma grande distância, conversa alta o causava-lhe dor física extrema. Ao longo de sua vida ele foi caprichoso e intratável, desmazelado na aparência e na casa. Os amigos freqüentemente comentavam que ele era bastante reservado. Em se tratando de dinheiro, ele era um homem de ganância.
Robert Schumann sempre teve Paganini, o compositor, com alta estima e como "Paganini o virtuoso". “As composições dele,” escreveu Schumann, “contem muitas puras e preciosas qualidades.” Berlioz era igualmente entusiástico sobre trabalhos de Paganini: “Um livro inteiro poderia ser escrito contando tudo aquilo que Paganini criou... de efeito moderno, de idéias engenhosas, formas nobres e grandiosas, e desconhecidas de combinações orquestrais antes do seu tempo. As suas melodias são grandes melodias italianas, mas cheias de ardor apaixonado raramente achado nas melhores páginas de compositores dramáticos de seu país. As suas harmonias sempre estão claras, simples, e de sonoridade extraordinária. Sua orquestração é brilhante e enérgica sem ser ruidosa.”
Certamente, a maior importância de Paganini como compositor repousa com suas peças brilhantes para o violino no qual ele desenvolveu os recursos prodigiosos desse instrumento e afetando profundamente toda a escrita para o violino que veio a seguir. Talvez, dos seus trabalhos para o violino, os mais famosos são os vinte e quatro caprichos que, na opinião de Florizel von Reuter, é “O trabalho mais importante de Paganini... e revela uma tal riqueza de conhecimento pedagógico, acoplado com uma fantasia inesgotável e romance poético que eles podem ser considerados como prova convincente de valor de Paganini como músico e compositor.”
Franz Liszt e Robert Schumann transcreveram os vinte e quatro caprichos para piano. Johannes Brahms compôs uma série de variações de piano no 24º capricho, como fez Sergei Rachmaninov.
Desempenhos de Paganini realmente devem ter surpreendido: em uma ocasião a um concerto, 300 pessoas ficaram estupefatas na diagnose oficial de “a cima do encanto.” Em Londres, muito freqüentemente as pessoas cutucavam Paganini com as bengalas para verificar se ele realmente era feito de carne e sangue. Em seu próprio tempo ele se tornou uma lenda que se mantém viva por sua música brilhante.
Multidões pagavam preços exorbitantes para assistir as apresentações daquele músico magrelo e feioso. Comerciantes colocavam o nome do ídolo em produtos tão diversos como perfumes e botas. As turnês incluíam as cidades mais importantes da Europa, com destaque para Viena, Milão, Hamburgo, Paris e Londres, onde os lucros foram suficientemente grandes para que o artista ficasse milionário. Sem dúvida, o italiano Nicolò Paganini foi uma espécie de popstar musical do século passado. As apresentações de Paganini resumiam-se quase sempre a composições próprias, sons mágicos retirados do violino. O rosto esquálido contorcia-se, os cabelos negros cacheados agitavam-se, e o arco do violino fazia movimentos inalcançáveis para a maior parte dos músicos da época. Algumas vezes, pelo simples prazer de assombrar, Paganini sacava uma tesoura e cortava três cordas do violino, prosseguindo o concerto somente com uma, a corda sol.
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As lendas não tardaram em aumentar o interesse por Paganini. Dizia-se que teria feito um pacto com o demônio para poder tocar daquela maneira, que as cordas de seu violino seriam confeccionadas com os próprios cabelos do diabo. Outra história dizia que sua habilidade vinha de anos de prática na prisão, condenado pelo assassinato da amante. Nesta versão, as cordas do seu instrumento seriam feitas dos intestinos da infeliz vítima. Algumas vozes tentavam diminuir o seu valor artístico, como o poeta irlandês Thomas Moore"Paganini pode tocar divinamente, e algumas vezes realmente o faz, mas quando vem com seus truques e surpresas,seu arco em convulsões, sua
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música mais parece o miado de um gato agonizante." Os fãs, porém, eram mais numerosos e mais importantes que os críticos. Paganini foi sagrado Cavaleiro da Espora Dourada pelo papa Leão XII, nomeado virtuoso da corte do imperador da Áustria, entre várias outras honrarias.
O Violinista Maldito
A princípio, a fama de Paganini se espalhou apenas em sua cidade natal; entretanto, aos poucos, toda a Itália começou a reconhecê-lo como sendo o maior violinista que já havia passado por aquelas terras. Acima de tudo, Paganini era um virtuoso; seus feitos assombravam de tal modo as audiências que começaram a circular lendas que aliavam seus feitos a forças demoníacas. Ciente disso, ele começou a cuidar de alimentar esse mito.
São muitas as lendas que circundam a figura de Paganini, a começar pelas relacionadas à sua aparência. Devido a uma doença, ele havia perdido os seus dentes, o que dava ao seu rosto uma aparência macilenta; sua face pálida, em contraste com seus longos cabelos negros, conferiam-lhe uma aura etérea. Seus trajes negros e desalinhados completavam a imagem que desejava.
A sua técnica ao violino, além de acuradíssima, também era ornamentada com elementos espetaculares; ao tocar, Paganini desenvolvia um gestual impetuoso e agressivo - por vezes atribuído aos demônios que o acompanhavam. O poeta alemão Boerne assim descreveu uma de suas apresentações: "Ele estava tomado por um entusiasmo ao mesmo tempo divino e diabólico, como eu nunca havia visto ou ouvido em minha vida."
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Quando, aos quarenta anos, o violinista começou a viajar pela Europa, suas excentricidades tornaram-se ainda maiores. Chegava aos concertos coberto por um longo manto negro, em uma carruagem puxada por quatro cavalos também negros - e, algumas vezes, demorava a entrar no palco, para depois de longos minutos surgir de súbito e uivar em direção ao público.
Os feitos de Paganini ao violino não eram menos espantosos. Ele era capaz de tocar à espetacular velocidade de doze notas por segundo - esse é tempo que a maior parte dos músicos leva para ler doze notas. Ele também inovou com suas técnicas de memorização; antes dele, todos os violinistas tocavam acompanhados do programa a ser tocado - Paganini, por sua vez, costumava simplesmente subir ao palco com seu instrumento, sacudir seu longo cabelo e pôr-se a tocar. Todo o programa já havia sido memorizado.
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Entretanto, certamente a mais fantástica proeza atribuída ao violinista era sua extrema habilidade com uma única corda. Sabe-se que cedo em sua carreira Paganini treinava improvisando melodias em uma única corda, chegando inclusive a compor canções específicas para isso. Francis Gates conta uma curiosa história sobre essa peculiaridade: segundo ele, numa tarde, um rico cavalheiro contratou Paganini e mais dois músicos para fazer uma serenada para sua amada. Antes de começarem, o violinista secretamente amarrou um estilete em seu braço direito - e, então, começaram. Logo uma das cordas arrebentou. "É por causa do ar", disse Paganini, e continuou tocando com as outras três cordas. Pouco depois, outra corda se rompeu, sem que o violinista demonstrasse qualquer perturbação. Enfim, a penúltima corda se partiu - para infelicidade do apaixonado cavalheiro, que começou a temer pelo sucesso de sua serenata. Paganini respondeu a isso com um sorriso e simplesmente continuou tocando como se nada tivesse acontecido.
Em busca de uma explicação para o fantástico talento do músico, mais lendas começaram a surgir. Para alguns, tamanha habilidade se explicava por uma suposta estadia na prisão. Segundo essa lenda, Paganini teria sido preso por ter assassinado, a punhaladas, um rival seu em uma disputa amorosa - e, em conseqüência disso, teria sido encarcerado por oito anos, tendo como sua única companhia, em todo esse período, seu violino. Outras versões dessa lenda são menos românticas, e falam sobre o assassinato de um músico rival de Paganini por envenenamento. Mas nada disso possui provas concretas.
Vários historiadores afirmam que depois disso seu corpo foi várias vezes desenterrado... por causas que ninguém até hoje conseguiu descobrir...
PAGANINI: O Homem, o Mito
PAGANINI emocionou as multidões com seus feitos aparentemente impossíveis na Corda G.
PAGANINI montou freqüentemente a sua Corda G aonde a corda 1 normalmente vai, para maior facilidade.
PAGANINI afinou freqüentemente a Corda G para cima um terço secundário (B-baixo), e fez outros arranjos
Cedo em sua carreira, Paganini começou a capitalizar na técnica de tocar em menos de quatro cordas. Em uma carta que descreve este período no corte de Lucca, ele discute como começou: "Procurando variedade nos programas eu executei na corte, algo semelhante: depois de ter removido duas cordas de meu violino (os 2d e 3d), eu improvisei uma sonata intitulada 'amorosa de Scena' a 4ª corda que representa o homem (Adonis) e a terceira, a mulher (Vênus). Este era o começo de meu hábito de tocar em uma corda, como esta sonata foi muito admirada, e eu me perguntava se eu pudesse tocar em uma única corda. Eu respondi: ' Certamente, ' e em seguida escrevi uma sonata com variações..." Esta sonata Paganini executou, pela primeira vez em 1810 em um concerto na corte, com suas variações para a 4ª corda, tendo estendido seu correrge para três oitavas por meio de harmônicas.
PAGANINI parece ter muito de ator e foi um perfeccionista para ter havido a possibilidade de uma quebra acidental de cordas no momento errado. De acordo com Guhr, ele escolhia à mão suas cordas antes de as utilizar, para ter certeza que elas eram das densidades exatas que ele quisesse depender e como planejaria sua afinação. Além disso, ele estava bastante a favor das composições de uma única corda do modo que esperavam dele em concertos, até mesmo sem os truques usados por ele. Então, em concerto contemporâneo revisado, e as suas próprias cartas indicam que ele removia conscientemente as cordas antes de tocar.
Uma história semelhante é contada em _Anecdotes de Grande Musicians. Variações neste tema ocorrem periodicamente nas biografias de Paganini, mas em nenhuma instância existe documento específico citado.
Uma outra lenda é a de um cavalheiro rico que havia implorado a Paganini, junto com um violoncelista chamado Zeffrini, para fazer serenata a uma senhora sua amada. Antes de começar a tocar Paganini furtivamente amarrou um canivete aberto ao seu braço direito. Então eles começaram. Logo a corda de E estalou. "Isso é devido ao ar úmido," disse o violinista, e continuou tocando com as outras três cordas.
Alguns momentos depois o ' A' quebrou... mas ele continuou a tocar. Finalmente a ' D' estalou, e o mancebo enamorado começou a ficar temeroso pelo sucesso de sua serenata. Pois o que poderia fazer Paganini com só uma corda em seu violino? Mas Paganini simplesmente sorriu e continuou em com a música com a mesma facilidade e força de tom que ele tinha usado previamente em todas as quatro cordas.
PAGANINI sempre afinou a sua Corda G no tom mais alto e mais impressionante, segundo Karl Guhr. Ele era um contemporâneo e conhecido de Paganini, como também violinista, maestro, e gerente de um teatro em Frankfurt. Ele declara que Paganini selecionava Cordas G de espessuras diferentes e escolhia uma de densidade média se fosse mais bem afinada a e usava o A- baixo ou B- baixo. "É fácil perceber que Paganini, quando toca em público, faz as mudanças na sua G, exatamente como planejou, e graças à precaução tomada sobre a corda, ela permanece absolutamente afinada. A sua habilidade de sintonizar o meio de um tom parece realmente bastante incrível ". Neste ponto, sobre o bom ouvido de Paganini, diz Dr. Francesco Bennati, "Em várias ocasiões, mostrou ele a sua absoluta perfeição da audição musical tocando verdadeiramente em um violino que não estava afinado ".
Sobre a habilidade inumana de Paganini e pacto suposto com o Diabo:
PAGANINI possuía tremenda flexibilidade física.
PAGANINI sofreu provavelmente da então desconhecida a Síndrome de Marfan, uma desordem de tecido conectivo.
Muitos ouvintes acreditaram que Paganini tinha vendido a alma ao Diabo em troca de sua perfeição musical.
A PAGANINI foi recusado um enterro cristão pelo Arcebispo de Nice, porque ele tinha recusado a Extrema- Unção.
Um empresário ofereceu 30.000 francos pelos os direitos de exibir o corpo embalsamado de PAGANINI.
PAGANINI foi enterrado e desenterrado várias vezes durante o século XIX.
Dr. Francesco Bennati, médico eminente e contemporâneo de Paganini que o observou em uma tentativa para descobrir seu segredo dele observou: “A mão dele não é maior que o normal, mas graças à elasticidade peculiar em todas suas partes, o palmo dele é dobrado. Por estes meios, por exemplo, pode ele, sem alterar a posição da mão, modificar as articulações superiores dos dedos da mão esquerda em uma direção lateral, com a maior facilidade e rapidez”.
Em um artigo do diário de AMA datado de 2 de janeiro de 1978, Dr. Myron R. Shoenfeld lança a teoria que Paganini nasceu com a Síndrome de Marfan: “O longo, sinuoso, hiperextensivel toque da sua mão esquerda deu aos seus dedos um alcance extraordinário e liberdade de movimento independente no sobre as cordas no espelho, enquanto a flexibilidade do pulso e articulação do seu ombro do direito, na extremidade superior lhe deu a amplitude requerida para curvamento correto. A evidência para esta hipótese necessariamente é inferencial, mas, eu acredito, estou convencido e até mesmo compelido”.
“...O quadro claramente emerge, então, síndrome de Marfan: um homem alto, magro com dedos longos e articulações de hiperextensiveis. A segunda linha de evidência era seu virtuosismo musical. Isto dependeu em boa parte de excursões forçadas, fatos estes que fazem os violinistas mestres até mesmo empalidecerem. Apesar disto, PAGANINI nunca foi observado a fazer treinamentos ou ensáios...”.
“O alcance e independência de movimento dos dedos eram tão extraordinários que foi suspeitado amplamente que ele tinha sofrido um procedimento cirúrgico para cortar as faixas que conectam os tendões... Porém, é improvável que um músico talentoso no início de sua carreira promissora teria arriscado assim a segurança das mãos, particularmente naquele determinado estado primitivo da arte cirúrgica. Muito mais provável é que a facilidade era inata ".
Schoenfeld vai notar que "as características clínicas da Síndrome de Marfan não eram nem mesmo descritas até as 1896, mais de meio século depois de PAGANINI” e que a maioria desses sintomas provavelmente não foram detectados, de qualquer maneira. "Nós não podemos esperar, então, achar descrições destas complicações que falam da Síndrome de Marfan em PAGANINI, até mesmo se realmente eles tivessem existido ". Porém, Schoenfeld aponta em PAGANINI que a perda da voz no o fim da vida, nada indica que pode ter sido “a rouquidão e afonia causada por reincidente paralisia laringeal do nervo provocado por um aneurisma se expandindo do arco aórtico”.
Por causa das habilidades aparentemente inumanas dele no violino, como também a sua figura cadavérica, alguns ouvintes acreditaram que ele tinha vendido a alma ao diabo. Não só era a sua ascensão européia rápida e a adulação vertiginosa que ele inspirou em âmbito quase faustiano, mas um motivo ocorrendo periodicamente em contos do povo europeu retrata o diabo como um violinista. Várias caricaturas feitas de Paganini consistem nele tocando o violino, alto e magro, com o cabelo dele desleixado e se assemelhando a chifres. Em uma carta que responde algumas das lendas contadas sobre ele, Paganini mostra a sua compreensão sobre a natureza de lendas urbanas:
“Eles me representaram em prisão, mas eles são ignorantes da causa de meu encarceramento... fala-se que, tendo achado um rival no apartamento de minha amante, eu o apunhalei por trás... Outros afirmam que, na loucura de ciúme, eu matei minha amante; mas eles não declaram como eu efetuei meu propósito sangrento. Alguns afirmam que eu usei um punhal, outros que, cobiçoso de testemunhar a agonia dela, eu usei veneno. Cada um povoou isto conforme a sua própria fantasia...”.
"Eu tinha tocado um concerto com grande sucesso. No dia seguinte, sentado à mesa do hotel, entraram no salão dois cavalheiros, e minha presença ficou despercebida. Um deles falou: 'não há nada surpreendente no desempenho de Paganini, ele adquiriu o seu talento enquanto ficou em um calabouço durante oito anos tendo seu violino para suavizar os rigores da prisão.
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Ele foi condenado por ter sido um covarde pois, apunhalou um de meus amigos que era o seu rival. ' eu...quis saber quando e onde isto tinha acontecido... ele disse que não fazia muito tempo que seu amigo tinha sido assassinado, ele tinha apenas ouvido dizer, e acreditou; mas não seria possível que ele tivesse sido enganado? "
" Um outro relatório mais ridículo ainda: eu tinha tocado as variações, intituladas 'le Streghe' (as Bruxas), e elas produziram um pouco de efeito. Um indivíduo ...afirmou que ele não viu nada surpreendente em meu desempenho, porque ele tinha distintamente visto, enquanto eu estava tocando minhas variações, o diabo a meu cotovelo, dirigindo meu braço e guiando meu arco.
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Minha semelhança para ele era uma prova de minha origem. Ele estava vestido de vermelho, com chifres na cabeça e o rabo entre as pernas. Depois de tão minuciosa descrição, você entenderá, senhor, era impossível duvidar do fato conseqüentemente, muitos concluíram aquele indivíduo havia descoberto o segredo desses feitos maravilhosos".
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Paganini vai reivindicar que um violinista chamado Duranowski era a origem da história de prisão contada. Duranowski foi preso em uma aldeia italiana em 1798, e condenado a vinte anos nas galeras pela tentativa de assassinato de um padre e tentativa de roubo. Duranowsky foi perdoado depois de cumprir dois anos.
Em 1840, em seu leito de morte em Nice, Paganini recusou os últimos ritos pois acreditava ele que viveria por muito mais tempo. O padre foi para casa, e Paganini morreu naquela noite antes que padre pudesse ter sido chamado novamente. Baseado nisto, o Arcebispo de Nice emitiu um édito que recusa enterro cristão de Paganini, e
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contatou o Governador de Genova, e a casa de Paganini, para aquele efeito.
Quando o filho de Paganini chegou em Genova com o corpo de seu pai, lhe negaram entrada para a cidade, e o cadáver ficou por meses em um necrotério antes que fosse enterrado finalmente. Enquanto esperando pela decisão da corte, o corpo embalsamado ficava em exibição ao público. Eventualmente, eles colocaram o corpo sob um vidro para suavizar o problema de decadência. De acordo com Achile, filho de Paganini, um comerciante ofereceu 30,000 francos para o direito para exibir o corpo de Paganini. O corpo não foi posto em solo sagrado até as 1845, quando Achile conseguiu uma autorização especial do próprio Papa
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